開通信

アーキラボ展　その２

横浜美術館のデュシャン展を見てきた。
が、諸事情あって、なかなか心を落ち着けて展示を見てまわることができなかった。
これはもう一度出直しだと思う。BankARTも見たい。
作品や展示内容とは関係ない話だが、横浜美術館のチケット売り場で、放送大学の学生証が通用しないのには憤慨した。全科履修生ならいいけど、選科履修生のはダメだって。

これまで、この選科履修生の学生証で学割を断られたことはなかった。この前の森美術館なんて、いかにも会社帰りのサラリーマンです、みたいなスーツ姿で学生証出してもOKだったのに！　横浜美術館最低だ！
ま、それはさておき、気を取り直して、森美術館のアーキラボ展の話を続ける。
今回の展示の全体構成をしたのが、建築家の隈研吾氏だそうだ。
セクション１の展示室では、作品の展示台が透明なハニカム型になっていて、天井からも同じ形のオブジェ？がぶら下がっている。
展示構成は、この展示室で扱っている1950年代、60年代に盛んだったセル型の建築の考え方を反映しているのでしょう。建築物がセル単位で分割可能で、移動可能だったり、要素を追加できたりと。
続くセクション２−１では60年代の日本のメタボリズム、そして一面では建築の博覧会であった70年の大阪万博の資料映像を見ることができる。
ここの展示室では、建築家の菊竹清訓氏のビデオで、菊竹さんが最初は普通にしゃべっていたのに、自分が設計したエキスポタワーの解体の仕方に憤るあたりから、だんだん興奮していくさまが面白かったです。
話は飛んで、最後のセクション４に、隈研吾氏自身の作品が展示されている。
この「グラス・ネット」という作品だけど、建築模型とかデッサン画ではない。
人の背丈くらいの大きさの箱の中には、透明なビニールのフード付きコートと、その下にビデオモニター。コートにはやたらポケットがたくさんあって、その中に市販のお菓子や薬の箱などがいくつも見える。
コートの周りにはニンジンとかセロリといった野菜が彩色されて配置されている。
これが、建築作品なのか？というのが第一印象。
あるいは、まるで棺桶のような。静かな葬儀のような。
解説員の説明を聞くと、このパーカーをデザインしたのは、ファイナル・ホームというブランドを展開しているデザイナーの津村耕佑氏。
ファイナル・ホーム、最後の家ですよね。サヴァイヴァルが要請されるような極限状況、あるいはホームレスの人たちにとっては、衣服そのものが命を繋ぐための最後の家となる。
そうかそうか、人間にとって、最後の最後で、衣と住というのは、一致するんだ。
まあ、わたしも衣と住の部品を扱ってる会社に、いちおう籍を置いているものですから、なるほどなあと感心した次第。

隈研吾氏による「グラス・ネット」プロジェクトの説明
http://www.nttdata.co.jp/rd/riss/ndf/1999/06/lecture_03.html

ファイナル・ホーム
http://www.finalhome.com/history/ph_01.html

横浜から

アーキラボ展　その１

ニッポン放送をめぐるフジテレビとライブドアの争いも、フジテレビの番組を見ているよりずっと面白いのだから困ったものだと思う。
ま、それはともかく。
森美術館のアーキラボ展を見てきた。別にリーマンやライブドアの様子を見に六本木ヒルズに行ったわけではありません。

どんな展覧会かといえば、ま、ひとことでいうと、第二次大戦後、1950年代くらいから現代までの建築の模型やデザイン画がいっぱい展示してあるわけです。実現した建築もあれば、そうでないものもある。ていうか、実現していないもののほうが圧倒的に多いけど。
展示はほぼ年代順になっているので、都市や居住空間についての建築家や人びとの考え方、そして社会の状況の移り変わりがよくわかる。
もっとも、建築は圧倒的にモンガイカンなので、的外れのことに一方的にわかったつもりになったり、そうかそうだったのかと感心している可能性も大ありだけど。
今回の展示を見ていて、ふと思ったんだけど、そもそも、建築の展覧会といっても、実際には建築模型やドローイングの展覧会であるわけでしょう。それでいいのかなという引っかかりもあるのだけど。
まあ、美術館の中に本物の建物を入れるわけにはいかないのだろうから、致し方ないといえばそうなんだけど、普通の美術作品で、縮尺模型とかレプリカとかを見て喜んでいるケースって、あんまりないんじゃないのかなあ。
スーパースタジオっていうイタリアの人たちの「建築のヒストグラム」って作品を見ると、升目がはいった白い物体がいくつも並んでいて、ぼくには一見タイル張りのお風呂のように見えたけど、お墓やベッドに見えるという人もいることでしょう。スケールが建築模型にしては大きすぎて、ちゅーと半端やなあ、という感じなんだけど、解説を読むと「大きさのレベルを変えれば、住居、建築、都市のいかなるスケールにも適応可能な理論的提案です」って書いてある。
確かに建築って、模型やデッサンと実物との差がありすぎて、その中間項ってないでしょう。この家、建築家の設計のままだと大きすぎるから、半分に縮めて造っちゃえ、とか、そういうのってないよね。言い換えれば、建築には、実現した建築と実現しなかった建築の二種類しかない。
建物の大きさを規定するもの、あるいは都市の境界を規定するもの、そういった敷居をどんどん取り払っていったのが、脱構築の建築って理解でいいんですかね。
同じセクションにあるコープ・ヒンメルブラウって人の「オープン・ハウス」計画案。
デッサン画がより具体的に描き直され、それを基に小さなごく簡単な模型が作られ、さらにある程度の大きさをもったリアルな模型になっていく過程が展示されているのだけど、そのいちばん最初に書かれたデッサン画って、一見、なんだかよくわからない図形なわけ。なんだろうと思うと、建築家が目を閉じてグシャグシャとペンを動かしたのをそのままデッサン画にしたんだって。おいおい、オートマティスムかよ、と思ったら、解説にもそう書いてあった。
むろん、私は、シュルレアリスム大好物な人ですが、正直言って、違和感があった。この違和感がなんなのか、よくわからない。最初のオートマティスム的デッサンはいいんだろうけど、それが、だんだん肉付けされて、精緻化、具体化されていくプロセスが、ちょっと違うんじゃないかと思う。インテリジェントに過ぎるということなのか・・・。
例えば、ものすごい勢いでガンガンガンと窓とか壁とかがぶつかり合って、合体して、建築物が立ち上がりました、というのだったら、単純にスゴイと思うのだが。まあそんなわけないか。
（多分、つづく）

森美術館
http://www.mori.art.museum/html/jp/index.html

アーキラボ：建築・都市・アートの新たな実験展 1950-2005
http://www.mori.art.museum/contents/archilab/index.html

六本木から

主よ、あわれみ給え

世田谷美術館でやっている瀧口修造展の企画で、高橋悠治のミニ・ライブがあるというので出掛けてきた。
演目は武満徹の「遮られない休息」、「閉じた眼」、そしてバッハの「マタイ受難曲」から「主よ、あわれみ給え」の３曲。
会場は美術館の展示室、瀧口のデカルコマニー連作「私の心臓は時を刻む」が展示してある部屋。

スタッフに紹介されて登場した高橋氏は、まず瀧口修造との出会いについて語る。
少年時代から詩誌で瀧口の詩を目にしていたこと、初めて直接会ったのは、いつかははっきりしないが、実験工房の演奏会で武満徹から紹介されたのだろうと思う、といったことなど。
１曲目の「遮られない休息」は、武満徹が瀧口修造にオマージュを捧げた曲。
この曲名は、瀧口と阿部芳文（展也）との詩画集「妖精の距離」に収められた一篇の詩のタイトルから採られている。
・・・って、歴史的な事実ばかり書き連ねてますね。すいません。
高橋氏は、瀧口の「遮られない休息」を静かに朗読すると、おもむろにピアノに向かい、武満の曲を弾き始める。
不意に最初のピアノの音が鳴り出して、虚を衝かれるような思いがした。
ぼくは音楽ファンとはいえないので、武満徹の曲もあまり聞いていないのだけど・・・。
この曲の第一楽章（って言いかたでいいのかな）は、「実験工房の音楽」というCDで知っていたけれど、２番、３番は今回初めて聞いた。
２曲目は、瀧口が亡くなった1979年の作品。むろん、瀧口への追悼の思いが込められている。「閉じた眼」という曲名は、ルドンの絵から採られたとか。そうか、そうだったのか。
瀧口の死に際して編まれた詩文集「雷鳴の頚飾り」に、この曲名と同じ、「閉じた眼」というタイトルで、武満徹も一文を寄せている。
高橋氏は、その一節を読んでから、再びピアノに向かう。
いま改めて、ぼくの手許の「雷鳴の頚飾り」を開くと、武満の文章の隣に掲げられている楽譜は、この曲の譜面なのか。
３曲目。
「マタイ受難曲」は、病床の武満徹が好んで聞いていた曲で、おそらく、生前、最後に耳にした曲ではないかという。
主よ、あわれみ給え。このアリアの歌詞を読み上げて、高橋氏はピアノに向かう。
アルトとバイオリンソロによる原曲を、高橋氏がピアノに編曲したもの。
この演奏が印象的だったので、きょう、CD屋さんに行って買ってきました。
「Yuji Plays Bach」を、さっきから繰り返して聞いているところ。

ちなみに、きょう２月２０日は、武満徹の命日だそうですよ。

世田谷美術館
http://www.setagayaartmuseum.or.jp

瀧口修造：夢の漂流物　同時代･前衛美術家たちの贈物 1950s〜1970s
http://www.setagayaartmuseum.or.jp/exhibition/exhibition.html

Yuji Plays Bach

用賀から

生地駅から

越後湯沢から

新幹線の中から

浦和を褒める

浦和に行ってきた。
といっても、居酒屋に行ってきたのではありません。
うらわ美術館でやっているフルクサス展を見てきた。
フルクサス絡みの展覧会って、どこか不思議なワクワク感がありますな。
展示を見ていると、突然、会場に、バタン、とか、ジャララン、とか、不穏な音が鳴り出すし。

なんだろ、と思うと、これは展示室に置かれたピアノの鍵盤に石を置いたり並べ替えたり、弦の上でビー玉を転がしたりしている音なのであった。
あと、卓球台が置いてあって、ラケットが鉛で出来ててやたら重かったり、持ち手が2メートルだったり、ラケットの板の真中に大きな穴が開いていたり。
こんな説明じゃ、何がなんだかわかりませんかね。
ふと、10年くらい前に水戸芸術館で見たジョン・ケージ展を不意に思い出したりして。
あのときも、今思えば、なんだかヘンテコなイベントに参加したような気がしますね。
展示ケースの中に収まった作品自体は、ある種の残骸みたいなものでしょうから、それ自体を見ても、必ずしも面白いかどうか。まあ、当時を偲ぶよすがというところか。
印刷物の類は、主宰者？首謀者？のジョージ・マチューナスがグラフィック・デザイナーだったからというのがあるんだろうけど、今見てもセンスいいなあというのはあるけどね。
会場の隅で、去年、ベン・パターソンが来日したときに、AY-Oさんが出迎えの富士山バスツアーをやった模様のビデオを流してたんだけど、それをずっと見てました。
道中、行く先々で昔のフルクサスのイベントを再現したりしてて。
半分、センチメンタル・ジャーニーみたいな感じ？ああなっちゃったら、もう毒気はないけどね。でも、ほほえましくて、最後まで見ちゃったわけで。
その後に流れてたオペラのパフォーマンスも、あれ、生で見に行けばよかったなあ。バスツアーはともかくとしても。後悔。
フルクサスって、関わってた人も美術プロパーの人ばかりじゃないし、全体にアマチュアリズム的な明るさを感じるから、この展覧会は、普段、いわゆる現代美術を見ない人にも、おすすめかもしれませんね。（その一方で、マチューナスの人生をみると、体を張って、命を賭けてやってるという重たさ、切実さはすごいあるけどね）。
会期は残り少ないけど、できれば、ぼくはもう一回行きたいと思っています。
なにしろ、これだけの内容で、入場料がタダだったんですよ。その日がたまたまだったみたいだけど。
浦和市民、じゃなかった、さいたま市民はすばらしい。
浦和という街も、実は、今回初めて浦和駅で降りたんだけど、再開発の具合と、古い町並みの残り具合のバランスがいいですね。
街のスケール感も、大きすぎず、また小さすぎず、ちょうどいい具合。
地方都市とはこういうものです、という感じ。
駅から美術館に行く間にも、よさげな店が何軒もあって（ちなみに、居酒屋「丸真」は、うらわ美術館のすぐ近く）、これは住みやすい街かもしれないぞ、と思った。
ただし、街全体にレッズ濃度が濃いのがねえ。商店街や店先のあちこちに、レッズ絡みのポスターや選手の写真などが張ってあるし。レッズに何の思い入れもなく、サッカーファンでさえないぼくには、敷居が高いなあ。
実際、帰りに駅のガード下の立ち飲みで飲んでいたら、向かい側のおじさんたちの会話、サッカーの話題ばかりだし。こんな街、ほかにないでしょう。
そこに目をつむれば、浦和という街、結構よさそうです。

うらわ美術館
http://www.uam.urawa.saitama.jp

開館5周年記念　フルクサス展−芸術から日常へ
http://www.uam.urawa.saitama.jp/tenran_doc.htm#e2

「生け捕られた速度」の遅延

初台のICCに藤幡正樹さんのアーティスト・トークを聞きに行ってきた。
今やっている「アート・ミーツ・メディア」展の関連企画ということですが、そもそも私は、今回の藤幡先生の展示もまだ見てないんですが。
それでも話は面白かったな。
面白かった、というのは、聞いていて、なんとなく、納得できることが多いのね。

今回の企画展の趣旨のひとつが、1989年から今まで15年間のメディア・アートの歴史を振り返るということらしいのだけど、この15年は、ぼくにとっても、メディア・アートなるものを、いち観客として見つづけてきた15年だった。
藤幡さんは、メディア・アートの流れは、20世紀の現代美術の文脈とは切り離して考えるべきという。
そういうふうにはっきり言われて、実は、すごく安心した。
というのは、ぼくは、もともと近代／現代美術って全然関心なかったんだけど、パーソナルコンピュータをとりまく文化的な環境のひとつとして、メディア・アート的なものを見るようになり、そこから美術に関心が移行、拡大していったからだ。
若い人には、90年代になって急にメディア・アートが盛んになってきたように見えるかもしれないけど、実は80年代にそれを準備していた期間があった、というのも、ひじょうに納得いく話で、それは、メインフレームに対するオルタナティブとしてのパーソナルコンピュータの誕生という物語と切り離せない。
そんな話を聞いていると、やっぱりぼくは、現代美術の人よりも、テッド・ネルソンとかアラン・ケイみたいな人たちのほうに、ずっとシンパシーがあるなあというのを再認識した次第なのだった。
また、それを、メディア・アートという枠組みの中で、大きい声で言っちゃっていいんだなあというのも、非常にうれしいことであった。
メディア・アートを20世紀後半のアメリカ中心のコンテンポラリーアートの流れと、どう関係づけるかっていうと、それは無理して関係づけなくたっていいってことですよね。
兄弟や子供っていうより、いとことか、はとことか、それくらいな関係性かな。
もっといえば、たまたま使い勝手がいいから、美術館を間借りさせてもらっている、という感じなのかも。
藤幡先生の言葉で、アートはセルフ・モティベーティッドなもの、とか、売るために作るものではない、とか、一瞬、ちょっと昔かたぎな作家主義っぽく聞こえるところもあるんだけど、でも、それは、一連の発言を聞いていれば、つながってくる。
ジェフリー・ショーの作品「レジブル・シティ」の話で、この作品は、自転車のメディア性みたいな部分を取り出して見せているわけですが、この作品はアートだけど、もし自転車をメタファーとして扱っていたら、それはアートじゃない（かなり意訳）というところ、なんとなく分かるけど、もうすこし詳しく聞きたい。
それから、アートとわかりにくさ、についてということで、藤幡先生の作品は、実はわかりにくい、という話で、1994年の「生け捕られた速度」という作品。ご本人の説明で、やっと何を言わんとしているのか、よくわかりました。
この作品、まだ初台にICCができる前、あれは麻布のあたりだったか、NTTラーニングシステムズのオフィスの一角にあった、ICCギャラリーまで、わざわざバスに乗って見に行きましたよ、そういえば。
あのときも、展示のパンフレットくらいはもらっているはずなんだけど、多分、わざわざ見に行った、というところに喜びを感じて、どういう作品か、とかはあんまり考えなかったんだろうな。
それが10年経って、ああ、そういうことだったのね、と、やっとわかったという話。

アート・ミーツ・メディア：知覚の冒険
http://www.ntticc.or.jp/Schedule/2005/art_meets_media/index_j.html

藤幡正樹オープンアトリエ《生け捕られた速度》
http://www.ntticc.or.jp/Archive/1994/Impressing_Velocity/index_j.html

Something of the air

ホントに昨日は一日死にそうな気分だったよ。
朝から微熱と微頭痛が取れなくて。
ホークスのインターネット中継を見る元気もなかった。
今日になったらまた今日で、うんざりすることばかり。
それが、こんな時間になって急に元気になってきたんだから、自分でもワケがわからないね。
さあ２月だ。ワタシの生まれ月だ。ここから反転上昇するか？今月。